Leonart Gallery & Art Dealer

FRANCO ANSELMI

Le altre opere

Luogo di nascita: VITTORIO VENETO

Data di nascita: 1950

Artista In esclusiva

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IVANA BOMBEN

Le altre opere

Luogo di nascita: PORDENONE

Data di nascita:

Artista In permanenza

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FRANCO BRESCIANINI da ROVATO

Le altre opere

Luogo di nascita: BRESCIA

Data di nascita: 1944

Artista In permanenza

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Franco Brescianini nasce a Rovato, in provincia di Brescia, il 19 settembre del 1944, dove vive e lavora ancora oggi. Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private di tutto il mondo. Dal 1975 le sue opere sono in permanenza nel Museo Civico di Pizzighettone a Cremona, nel Museo Usellini Arona a Novara, nella Pinacoteca d'Arte Moderna di Santhià e nel Museo di Strasburgo. Nel 1989 vince un prestigioso primo premio su invito, il premio Fiat-Iveco - Sava Leasing - Pirelli sul tema dell'automobile e il Premio della Presidenza della Repubblica alla C.R.A.L. di Malpensa. Nel 1991 lavora in Germania a fianco di Ernesto Treccani, Trento Longaretti, Saverio Terruso, Francesco Coter, e Bewt Stubbe. Insegna disegno e acquarelllo ad Anholt-Isselburg e partecipa a una serie di esposizioni in tutta la Germania. Allestisce numerose personali in Italia e all'estero: a Bonn, Colonia, Nuova Brandeburgo, Aachen, Sasbach, Fraiburg, Monaco, Berlino, Amsterdam, Bruxelles, Lione, Strasburgo, Marsiglia, Parigi, Brive, Tolosa, Nîmes. Negli ultmi anni molte delle sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private a Toronto, Ginevra, Parigi, Tokyo, Boston e New York. Franco Brescianini ha realizzato, per la Regione Lombardia, le scenografie de "La Vedova allegra", "La Principessa della Ciarda" e del "Paese dei Campanelli".

Hanno scritto della produzione dell'artista: Paolo Rizzi, Giampiero Rabuffi, Luciano Spiazzi, Guido Stella, Mario Pistono, Luciano Bertacchini, Osvaldo Prandoni, Raffaele De Grada, Monteverdi, Montanari, Mario De Micheli, Primo Baldini, Verga, Maurizio Corgnati, Salvatore Fiume, Giorgio Mascherpa, Franco Rognoni, Luigi Carluccio, Luigi Servolini, Dino Villani, Giancarlo Romiti, Zaccaria, Walter Visioli, Luciano Budigna, Mario Portalupi, Guido Mazza, Gastone Breddo, Carlo Rigoni, Angelo Dragone, Floriano De Santi, Birte Wimmer, Stephanie Shapers, Ludger Jansen, Fausto Lorenzi, Vittorio Sgarbi, Mauro Corradini, Tonino Zana, Francesca Regalini, Silvia Bosi, Luisa Bresciani, Franco Passoni, Paolo Levi. Articoli riguardanti le opere di Brescianini sono comparsi su quotidiani italiani ed esteri e sulle seguenti pubblicazioni: "Artisti Contemporanei Bresciani", "Criterium degli Artisti", "Italia Artistica", "Arte Rama", "Pnxit", "Il Quadrato", "Bolaffi Arte", "Arte Europa", "Selezione Arte", "El Sedas", "Brescia Arte", "Le firme (25 artisti bresciani)", "Informazioni d'Arte di Torino", "Il Comanducci", "Arte", "Catalogo d'Arte Moderna", "Quindici artisti per Giuseppe Verdi".

PAOLO FRESU

Le altre opere

Luogo di nascita: ASTI

Data di nascita: 1950

Artista In permanenza

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ALDO GIUSTI

Le altre opere

Luogo di nascita: MASSA

Data di nascita: 1946

Artista In permanenza

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Aldo Giusti nasce a Massa nel 1946, inizia a dipingere giovanissimo, ma per necessità intraprende un lavoro che lo porterà spesso all'estero. Viaggerà per molti paesi del mondo, dall'Algeria alla Russia all'Indonesia e questi viaggi influiranno profondamente sul suo pensiero e sul suo modo di intendere l'arte e la vita.
I giocattoli di latta visti tra le mani dei bambini Russi di Oremburg lo riportano agli anni 50 e queste cose umili ma piene di significato diventeranno i suoi soggetti preferiti.
L'Estremo Oriente influirà sull'uso dei colori.
Nel 1980 si iscrive alla Scuola Libera del Nudo presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara e ricomincia la sua carriera di pittore là dove l'aveva lasciata ancora giovanissimo, arricchendola con le mille esperienze della sua vita.
Le nature morte di Aldo Giusti sono pervase da un velo di dolce malinconia, che si impregna degli umori, sentori, turbamenti dell'anima dinanzi ad un giocattolo ritrovato, ad un oggetto dimenticato e riscoperto per caso.
Gli oggetti che Giusti dipinge hanno avuto con lui una lunga consuetudine e nel colore mai vivido, consumato dall'usura e dalla patina del tempo si avverte il sentimento a volte angoscioso della caducità delle cose.
Petali di rose ormai sfiorite, una brocca che ha perso lo smalto della sua luce, un giocattolo che non dà più gioia ma struggente ricordo dell'infanzia ormai lontana, questi i simboli che riempiono le tele di Aldo Giusti come fossero più che dipinti, le pagine di un diario, un libro intimo vissuto intensamente.
I supporti che preferisce sono tele, tavole e carte, che Giusti prepara con una miscela di stucchi, gessi e resine.
Dipinge con olio ed acrilico fusi insieme dalla combustione creando effetti particolari e fondi di grande spessore.
Di notevole importanza nella sua carriera è stata la mostra che è stata organizzata nel 2001 a Massa nel Castello Malaspina, con il patrocinio del Comune e della Provincia di Massa in Toscana, che unita alla stampa di un catalogo, sono stati il primo passo per la presentazione di questo artista in Italia e nel mondo.
Nel 2005 patecipa a Miami Inspiration, Collettiva presso il Consolato Italiano della Florida, Miami.

FABIO GRASSI

Le altre opere

Luogo di nascita: MASSA

Data di nascita:

Artista In permanenza

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GRILLOS

Le altre opere

Luogo di nascita: PONTE DELLA PRIULA (TV)

Data di nascita: 1947

Artista In permanenza

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CLAUDIO MISSAGIA

Le altre opere

Luogo di nascita: VALDAGNO (VI)

Data di nascita: 1959

Artista In permanenza

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LUCIO OLIVERI

Le altre opere

Luogo di nascita: MILANO

Data di nascita: 1934

Artista In permanenza

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Lucio Oliveri è uno scultore che utilizza il bronzo senza essere prigLucio Oliveri è uno scultore che utilizza il bronzo senza essere prigioniero di finalità puramente estetiche, ma per consentire all'osservatore di apprezzare la consistenza e le potenzialità espressive di questa materia. La superficie di questi lavori è in parte rugosa, dove l'ombra viene imprigionata e conservata, in parte liscia e specchiante, dove la luce gioca di riflesso. Prima di parlare della figuratività iconica di queste ricerche e di penetrarne il significato, è importante risalire a ciò che verosimilmente si può dedurre dalle loro motivazioni teoriche. E' del tutto evidente che per questo artista il bronzo non è solo la materia antica e aulica di cui egli vuole conservare il significato e la tradizione plastica, ma è anche la sostanza espressiva di una lavorazione basata sulla conoscenza profonda ed empatica delle potenzialità spaziali, che solo la fusione consente di esprimere. La resa del bronzo, secondo la lezione dei maestri nel Novecento, gioca anche sul cromatismo e sul segno, oltre che sull'impianto strutturale. Ed è qui che l'intelligenza poetica di Oliveri si esprime al meglio, nella sintesi del linguaggio plastico moderno e nel dare peso e significato alla sostanza stessa. La pelle della materia è ancora qui quella nobilmente arcaica della tradizione, ma contiene con naturalezza la forma parzialmente informe di un messaggio visivo che si situa fra l'astrattismo e la figurazione. Se nella sua immanenza il bronzo è freddo, il calore dell'immaginazione scultorea gioca il suo ruolo di mediazione sfruttando le tonalità solari delle superfici specchianti. Si avverte nel lavoro di Oliveri il superamento della classicità, ma nel contempo sussiste in lui il gusto di conservare la traccia di un artigianato di antica memoria, soprattuto esercitato nella perizia manuale della formulazione preliminare dell'oggetto destinato alla fusione. Preparazione che appare affinata da un esercizio persino ostinato e squisitamente manuale. Le sue figure - sono volti, mani o braccia che vivono un'esistenza frammentata, dolente - sono estraneate dall'interezza dei corpi che rimangono puramente allusivi, ed emergono da una massa non accidentale, ma ben misurata per suggerire l'emersione da un plasma primordiale. Queste costruzioni poetiche pretendono, da parte dell'osservatore, una partecipazione attiva per ricreare nei vuoti le parti mancanti dell'immagine, dove è l'aria a fare da segno grafico e da elemento di contestualizzazione. Nella poetica di Oliveri è anche presente una forte carica di religiosità, peraltro del tutto immanente, dove l'amore e il dolore, la vita e la morte sono i motivi conduttori di un'iconografia dal denso impatto emotivo. Nell'equilibrio calcolato dei pieni e dei vuoti, i suoi volumi si radicano nell'equilibrio instabile della danza, spesso evocata esplicitamente. La spinta dinamica che lo scultore imprime a tutte le sue raffigurazioni può in alcuni casi dirigersi verso l'alto, oppure chiudersi a cerchio su se stessa, ma sempre trova la sua ragione d'essere su strutture di sostegno che sfidano le leggi di natura. Se leggerezza e dinamismo costituiscono la cifra compositiva di questo artista, ben altrimenti solida è la certezza espressiva degli sguardi e delle posture che si esprimono perlopiù nella preghiera e nel dolore, ma anche nella gioia trionfale della speranza. Scultore contemporaneo, ma di forti valenze simboliste, Oliveri evita le tentazioni di un facile decorativismo, per enunciare senza retorica il senso profondo di una interrogazione, alla quale l'osservatore partecipa, riconoscendosi nei sui stessi dubbi. ioniero di finalità puramente estetiche, ma per consentire all'osservatore di apprezzare la consistenza e le potenzialità espressive di questa materia. La superficie di questi lavori è in parte rugosa, dove l'ombra viene imprigionata e conservata, in parte liscia e specchiante, dove la luce gioca di riflesso. Prima di parlare della figuratività iconica di queste ricerche e di penetrarne il significato, è importante risalire a ciò che verosimilmente si può dedurre dalle loro motivazioni teoriche. E' del tutto evidente che per questo artista il bronzo non è solo la materia antica e aulica di cui egli vuole conservare il significato e la tradizione plastica, ma è anche la sostanza espressiva di una lavorazione basata sulla conoscenza profonda ed empatica delle potenzialità spaziali, che solo la fusione consente di esprimere. La resa del bronzo, secondo la lezione dei maestri nel Novecento, gioca anche sul cromatismo e sul segno, oltre che sull'impianto strutturale. Ed è qui che l'intelligenza poetica di Oliveri si esprime al meglio, nella sintesi del linguaggio plastico moderno e nel dare peso e significato alla sostanza stessa. La pelle della materia è ancora qui quella nobilmente arcaica della tradizione, ma contiene con naturalezza la forma parzialmente informe di un messaggio visivo che si situa fra l'astrattismo e la figurazione. Se nella sua immanenza il bronzo è freddo, il calore dell'immaginazione scultorea gioca il suo ruolo di mediazione sfruttando le tonalità solari delle superfici specchianti. Si avverte nel lavoro di Oliveri il superamento della classicità, ma nel contempo sussiste in lui il gusto di conservare la traccia di un artigianato di antica memoria, soprattuto esercitato nella perizia manuale della formulazione preliminare dell'oggetto destinato alla fusione. Preparazione che appare affinata da un esercizio persino ostinato e squisitamente manuale. Le sue figure - sono volti, mani o braccia che vivono un'esistenza frammentata, dolente - sono estraneate dall'interezza dei corpi che rimangono puramente allusivi, ed emergono da una massa non accidentale, ma ben misurata per suggerire l'emersione da un plasma primordiale. Queste costruzioni poetiche pretendono, da parte dell'osservatore, una partecipazione attiva per ricreare nei vuoti le parti mancanti dell'immagine, dove è l'aria a fare da segno grafico e da elemento di contestualizzazione. Nella poetica di Oliveri è anche presente una forte carica di religiosità, peraltro del tutto immanente, dove l'amore e il dolore, la vita e la morte sono i motivi conduttori di un'iconografia dal denso impatto emotivo. Nell'equilibrio calcolato dei pieni e dei vuoti, i suoi volumi si radicano nell'equilibrio instabile della danza, spesso evocata esplicitamente. La spinta dinamica che lo scultore imprime a tutte le sue raffigurazioni può in alcuni casi dirigersi verso l'alto, oppure chiudersi a cerchio su se stessa, ma sempre trova la sua ragione d'essere su strutture di sostegno che sfidano le leggi di natura. Se leggerezza e dinamismo costituiscono la cifra compositiva di questo artista, ben altrimenti solida è la certezza espressiva degli sguardi e delle posture che si esprimono perlopiù nella preghiera e nel dolore, ma anche nella gioia trionfale della speranza. Scultore contemporaneo, ma di forti valenze simboliste, Oliveri evita le tentazioni di un facile decorativismo, per enunciare senza retorica il senso profondo di una interrogazione, alla quale l'osservatore partecipa, riconoscendosi nei sui stessi dubbi.

DIEGO PALASGO

Le altre opere

Luogo di nascita: NOALE (Ve)

Data di nascita: 1954

Artista In permanenza

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Diego Palasgo nasce a Noale Ve nel 1954 ed inizia a dipingere nel 1977.
Per molti anni partecipa a concorsi e collettive d'arte esibendosi in numerose extempore.
Negli anni '90 sperimenta la pittura polimaterica fino ad ottenere un sapiente equilibrio di forme e colori, segni e materie.
Intensifica la sua partecipazione a piu' significative mostre personali.
Vincitore di numerosi concorsi nazionali ottiene i riconoscimenti della critica e della stampa specializzata, tra cui :

1992 - Viene premiato con la medaglia d'argento dal Presidente della Repubblica On. O. Luigi Scalfaro al concorso internazionale, citta' di Legnago VR
1995 - Un'opera entra a far parte della collezione della Galleria Civica Citta' di Moncalieri (To).
1995 - Premio artistico della Giunta Regionale del Veneto e della Provincia di Venezia..
1998 - Viene premiato con la medaglia di bronzo dal Sommo Pontefice S.S. Papa Giovanni II alla Biennale d'arte, S.Maria di Sala VE.
2002 - Realizza un'opera per il Museo dell'Automobile Carlo Biscaretti di Ruffia - Torino.
2004 - Con l'alto patrocinio della Repubblica Italiana, Comunita' Europea, Regione Veneto, Universita' degli Studi di Venezia, Centro Internazionale Studi di Economia Turistica, Provincia di Venezia, Assessorato al Turismo, G.A.L. Venezia Orientale, realizza l'opera destinata alla promozione del Parco Archeologico diffuso per la valorizzazione e la tutela della "Via Annia".
2005 - Viene premiato con la Medaglia d'Argento dal Presidente della Repubblica On. Carlo Azeglio Ciampi alla Biennale d'Arte, Citta' di Osio BG.
2005 - Realizza l'opera "Abitare l'Acqua", progetto dell'Ente Parco Regione Fiume Sile, per la salvaguardia dell'ambiente acquatico, con il patrocinio della Repubblica Italiana, Comunita' Europea, Regione Veneto, Provincia di Venezia, Padova, Treviso, G.A.L. Veneto Orientale. .
2005 - Ottiene l'incarico di realizzare le opere del "Premio Altino", destinate a persone che si sono distinte nell'anno per la loro attivita': culturale, sportiva, professionale.
2006 - Un opera entra a far parte dell a Collezione permanente del Museo dell'Unita' d'Italia Citta' di Teano (Ce).
2006 - Invitato ad esporre alla Biennale dell'Unita' d'Italia presso la Galleria Eventi Mondadori di Venezia. Un' opera viene donata alla mostra permanente del museo dell'Unita' D'Italia di Teano CE
Dal 2005 le opere di Palasgo vengono regolarmente presentate su Televendite di "elite Shopping.tv4".
2008 - Presente nel Museo Judetean Gorj CittÃ di Targu Jiu (Romania)

CLAUDIO ROLFI

Le altre opere

Luogo di nascita: GENOVA

Data di nascita: 1960

Artista In permanenza

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PIERLUIGI SLIS

Le altre opere

Luogo di nascita: Wuppertal (D)

Data di nascita: 1974

Artista In esclusiva

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Nasce il 06 Ottobre 1974 a Wuppertal in Germania Vive e lavora a Vittorio Veneto. Apprende le prime nozioni pittoriche nei corsi scolastici tenuti dal Maestro Giuseppe Grava, coltivando la passione per le pietre acquarellate dei tipici borghi del suo paese. Continua gli studi da Seminarista per diplomarsi al Liceo Socio-Psico-Pedagogico nell’anno scolastico 1992/93. E’ in questo periodo che, vincendo tra l’altro vari concorsi artistici, coltiva la passione per l’Aerosol Art.

Il '96 lo vede fra i fondatori de "La Kremeria Art Group" (Crema della creatività nel campo del writing e non, che riunisce 10 ragazzi del triveneto per lo studio concettuale e grafico di grandi pareti). Con questa squadra realizza opere per molte aziende illustri.

L’evoluzione, lo porta al concetto di Decomimesi (decorazione atta a ridurre l’inquinamento visivo ambientale) sul quale basa l’attività artistica in proprio a tempo pieno . Specializzato nel campo della scenografia per la fotografia industriale inventa e sperimenta le più svariate tecniche e materiali.

PG:

La firma con cui si è evoluto nell’ambito del writing lo accompagna tutt’ora nelle sperimentazioni artistiche, che manifesta al meglio nei sui quadri.

Vede nei suoi quadri un evoluzione del lettering (attività del writer che evolve le lettere ed lo stile).

Il PG ,evoluto negli anni fino a riproporsi nella sua essenza, non si presenta tanto come firma o marchio dell’opera quanto come soggetto, protagonista della stessa con la funzione di bilanciare l’opera stessa.

Si definisce un evoluzionista concettuale, ponendo come capo saldo l’evoluzione della tecnica e del concetto. La ricerca dell’essenzialità nelle sue opere, fa pensare ad un intimo minimalismo che permette al fruitore di sentire che l’immagine è frutto della propria fantasia. Propone i suoi quadri come felice pretesto per instaurare un confronto sulle tematiche più profonde che si nascondono nell’uomo in relazione agli eventi contemporanei e di attualità.

Biografia

- 1° PREMIO Città di Conegliano. 2004

- Personale c/o Pala Turismo Jesolo 2005

- Segnalazione premio Agazzi. 2006 (8° posto)

- Personale E2 (Evoluzioni 2) Ist. Manzato Treviso. 2006

- Personale E3 presso Officine Artistiche Treviso. 2007

- Arte Parma con la Galleria Leonart. 2007

- Personale allo Spazio MAVV a Vittorio Veneto. 2007

- Personale c/o LE VENEZIE Treviso. 2007

- Esposizione a Oyten (Germania). 2007&l

PIER TOFFOLETTI

Le altre opere

Luogo di nascita: Udine

Data di nascita: 1957

Artista In permanenza

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LUIGI VOLTOLINA

Le altre opere

Luogo di nascita: VALONA

Data di nascita: 1942

Artista In permanenza

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Luigi Voltolina è nato a Valona nel 1942.

Nel 1944 si trasferisce a Venezia dove frequenta l’Istituto d'Arte dei Carmini sotto la guida del maestro Dinon.Dopo gli studi artistici fa esperienza diretta presso piccoli studi d’arte e, incuriosito dall’arte vetraria, lavora per un breve periodo alla vetreria F.lli Toso di Murano. Ad una prima formazione autodidatta segue, dagli anni ’60 in poi, una intensa attività di scambi culturali ed una frequentazione presso ambienti letterari, sopratutto capitolini, fra cui e il CIDAC di Sergio Moricco (Centro Internazionale per la Diffussione Arte Cultura) con il quale partecipa all’antologica “Il Segno e la Parola” curata da Gabriella Sobrino e Guglielmo Petroni. Nel ‘74 è invitato alla X Esposizione Internazionale d’Arte Quadriennale di Roma.Le sue prime mostre risalgono al 1963: numerosissime le personali in Italia e varie le sue esperienze all’estero fra cui Ginevra, Londra, Parigi, Amsterdam e Nancy.E' significativo il suo soggiorno a Madrid del 1984, città che ospita una sua prima personale su invito dell’ Ambasciata italiana e che, con la sua cultura, dà lui l'ispirazione per la stesura di una serie di disegni estemporanei dedicati alla danza flamenca, raccolti nel catalogo ‘Taccuino spagnolo’.Sempre a Madrid Voltolina collabora alla redazione della rivista di flamenco “Candil” e, nel 1991, espone presso lo Studio d'arte Enrique Gomez. Dal ’91 al ’93 tiene una attività espositiva tra Vienna e Klagenfurt, dove viene a contatto con il gallerista Rudolf Nice che lo inseriscie tra gli artisti in permanenza alla Galleria 61. In occasione di "Lussemburgo città della cultura", nel 1996, tiene una personale presso il palazzo della Corte di Giustizia delle Comunità Europee e realizza il manifesto del concerto di Radio Lussemburgo. Nel 1994 va a New York ospite del Monsignor Renato Martino Arcivescovo della città.Dal ‘95 è fra gli artisti in permanenza alla Juno Gallery di New York, presso la quale ha tenuto due personali nelgli ultimi due anni. La sua continua ricerca ed innovazione stilistica sono da sempre tese verso un’altrettanto poliedrica apertura di forme espressive e sperimentazioni in diversi campi artistici che spaziano dalla grafica alla scultura ed al mosaico, ma anche a diversioni che vanno dall’ambito del teatro a quello della musica e dello spettacolo. Voltolina dal 1984 lavora alla realizzazione di sculture in vetro di Murano. Le opere nascono dalla creativa collaborazione con i maestri vetrai dell’isola veneziana.

IVAN LARDSCHNEIDER

Le altre opere

Luogo di nascita: BOLZANO

Data di nascita: 1976

Artista In esclusiva

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Nelle opere di Ivan Lardschneider è ravvisabile lo scorrere sottile di uno spirito ludico e giocoso.
Le presenze reali vengono rielaborate in un immaginario semplice e seducente quanto misterioso. Nel contesto ora delineato trovano spazio gli effetti di decontestualizzazione che sorprendono lo spettatore. Ecco allora che si giunge a contatto con aree creative nelle quail l'alterazione sottile della realtà acquista un sapore incantato e sospeso. Inoltre emerge all'attenzione l'aspetto formale, curato nella direzione di una sperimentazione verso i limiti dell'astrazione e del disegno infantile. Il recupero di forme regressive, di strategie compositive radicate nella creatività infantile come in quelle proprie del primitivo, costituiscono un importante arco d'indagine proprio dell'arte contemporanea, che vuole restituire all'uomo adulto e tecnologizzato cariche emotive andate dimenticate o perdute. La cura tecnico/realizzativa necessaria a queste opere di natura lignea indica un percorso che vuole conservare elementi della tradizione in un nuovo contesto legato all'attualità.

Curriculum:
Ivan Lardschneider - Nato a Bolzano il 16.01.1976
1997

Apprendistato Scultore

1999-2004

studio di scultore dai maestri d'arte Nogler Othmar e Aron Demetz

2000, 2001 e 2004

Unika

2004

„Premio Arte„ della Rivista Arte

• 2. Premio per la realizzazione di un opera d'arte del concorso di Selva Val Gardena
2005
• Mostra collettiva a Venezia, Ferrara, Milano, Lecce, Arte Padova 2005, Galleria Unika
2006
• Mostra Personale nell'Istitut Micura de Rü (Val Badia - St. Martin de Tor - Alto Adige)

Mostra collettiva nella Galleria Scoletta - San Zaccheria (Venezia)
Mostra collettiva nella Galleria Metropolitan Art - Lecce
Mostra Personale nel Parexel International - Berlino
Arte Padova 2006 - Galleria Unika

• Collaborazione con la rivista d arte " Euroarte " di Raffaele de Salvatore
e Anna Maria Gentile
• Coordinazione del Progetto Bolzano 2006 con Paul Moroder Doss , Aron Demetz
e Egon Decori. Realizzazione dei modellini in creta.
2007

Collettiva a Milano, Roma e Capri con la galleria d'arte Grispi
Kunstart a Bolzano con la Galeria Unika
Triennale Ladina 2007
Arte Padova 2007

CARLO ZOLI

Le altre opere

Luogo di nascita: BARI

Data di nascita: 1959

Artista In permanenza

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Carlo Zoli, nato a Bari nel 1959, ha studiato e lavora a Faenza, vicino a Bologna.
E' il quarto elemento di una discendenza diretta d'avoli ceramisti: Carlo, Paolo, e il padre Franco, sotto la cui guida si è formato artisticamente.
La tradizione della sua famiglia risale agli albori del secolo scorso, quando Carlo operava come ceramista presso il Borgo Durbecco a Faenza.
Paolo, il figlio, fu pittore presso i celebri fratelli Minardi, e dal 1918 titolare della prestigiosa bottega "La Faience", che collaborò anche con artisti quali Pietro Melandri, Roberto Sella e Francesco Nonni.
Franco fu invece docente di Decorazione Artistica presso l'Istituto Statale d'Arte per la Ceramica "G. Ballardini", e affermato pittore e scultore.
Oggi, le qualità artistiche di Carlo, scultore di ceramica, lo hanno fatto emergere.
Sin dalla giovane età è salito alla ribalta in numerose rassegne nazionali e internazionali, dove continua ad avere notevoli consensi.
Ha tenuto mostre personali in tutta Italia: Bari, Bologna, Napoli, Padova, Roma, Venezia, solo per citare le città più importanti; è stato ospite di varie reti nazionali e nel Benelux. Da oltre dieci anni partecipa a fiere d'arte internazionali: ExpoBari, Art Fair Melbourne - Australia, Art Expo New York (USA), Arte Fiera a Bologna, Art Jonction Nizza, EuropArt Ginevra, LineArt Gand (B), a Mosca e a Parigi, poi Gmunden (A), Padova, Pordenone, Udine, Vicenza in Italia.
Nel 2008 ha collaborato con l'associazione lirica "Pia Tassinari", nella realizzazione della scenografia per l'opera "La Bohème" presentata al Teatro Comunale A. Masini di Faenza.
Nello stesso anno ha partecipato al Mercato dell'arte ceramica di Gmunden (A), e in occasione di una mostra collettiva di artisti italiani ha esposto le sue opere nel salone dell'arte contemporanea del Kammerhof Museen della medesima città austriaca.,

LUCA BELLANDI

Le altre opere

Luogo di nascita: LIVORNO

Data di nascita: 1962

Artista In permanenza

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GIANPAOLO PERONA

Le altre opere

Luogo di nascita: PADOVA

Data di nascita: 1970

Artista In esclusiva

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Gian Paolo Perona, nasce a Padova il 23 marzo del 1970. Il disegno diventa fin dall'infanzia il suo mezzo espressivo più naturale spesso organizzato in racconti corredati da brevi scritti. Gli animali antropomorfi infatti fanno la loro apparizione in queste prime esperienze. La madre pittrice ed insegnante di storia dell'arte lo incoraggia mettendogli a disposizione qualsiasi tipo di materiale e supporto insegnandoli l'unica regola importante: "non ci sono regole". All'età di 9 anni apprende dalla madre i primi rudimenti per rappresentare la mimica facciale e le nozioni delle prospettive. Per tutto il corso delle medie e del liceo non raggiunge mai la sufficienza nelle materie artistiche spesso accusato di farsi fare da altri i disegni non ritenuti consoni alla sua età. Il disegno lo distrae dagli studi, ogni pagina di storia-scienze- letteratura diventano trampolini per racconti grafici che sfoga sui libri e scrivanie. Nel 1988, per recuperare ad una bocciatura scolastica , si trasferisce a Cortina D'Ampezzo, dove per due anni si dedica allo studio, pittura, disegno e trekking. La natura ed il paesaggio sono temi che affronta in questo periodo abbandonando momentaneamente il disegno, a favore dei colori ad olio. Il paesaggio viene affrontato sia en plein air , ponendosi come filtro del mondo in cui si immerge, che in studio sviluppandone quindi gli aspetti introspettivi

Nel 1990, conseguita la maturità scientifica, si trasferisce a Milano per studiare all'Istituto Europeo di Design . Nella città lombarda approfondisce il linguaggio grafico , e quello fotografico. Nel 1992, ottenuto il diploma in grafica e fotografia, un suo professore gli propone di entrare all'Accademia di Belle Arti di Brera, ma decide di tornare alla sua città natale per iscriversi a Scienze Politiche.

All'università patavina intraprende gli studi sociologici che diventano una fonte di ispirazione inesauribile per la sua pittura. Il tema del doppio, ego schizofrenico, diventa predominante in questi anni. Lo testimoniano dipinti in cui le ombre sembrano prendere vita propria. Contemporaneamente affronta il tema della caricatura affascinato dalle contraddizioni nascoste nel volto umano. Prima di laurearsi vince un concorso nazionale per giovani vignettisti. Premiato ed incoraggiato da Giorgio Forattini comincia a collaborare per alcuni quotidiani locali del Gruppo Espresso in qualità di editorial cartoonist.
Nel 2002 raggiunge, " serpeggiando tra un pennello ed un pennino", la laurea in Scienze Politiche con una tesi in comunicazione di massa su "la satira figurativa in Italia". L'anno della tesi lo vede impegnato a girare l' Italia per intervistare i maggiori vignettisti satirici dei quotidiani nazionali. La politica ed i fini nascosti del suo agire diventano così il copione su cui disegnare . Nel 2003 viene citato da "Corriere Magazine" come vignettista esordiente e successivamente nel 2004 partecipa all'avventura editoriale, diretta da Massimo Caviglia, collaborando come vignettista al periodico satirico "Par Condicio".
Nello stesso anno un colpo di fulmine lo spedisce a Belluno dove attualmente vive immerso nel verde con moglie e due figli.

A Belluno continuando l'attività artistica e di illustratore satirico comincia a lavorare come foto-giornalista per l'agenzia Obiettivo. Le sue fotografie sono pubblicate dai maggiori quotidiani e settimanali italiani ("La Stampa", " Repubblica", " Il Corriere della Sera", "Il Giornale","Libero", "Corriere Magazine, " Il Venerdì", "L'Espresso", "Panorama", "Gente", " Oggi") e quotidianamente racconta gli eventi della Provincia di Belluno sul "Corriere delle Alpi" .

Il linguaggio fotografico nella sua declinazione giornalistica unito all'esperienza pittorica ed illustrativa danno origine ad una serie di ritratti collage che concentrano l'attenzione sulla visione intima dei soggetti ritratti. Il ritratto tradizionale affronta gli individui nello stesso modo in cui un aereo osserva un continente. Questo è limitativo. È interessante racchiudere in un immagine tutti i particolari come in una picchiata. Ecco che il collage diventa uno strumento adatto a questo scopo. Scatti radenti sul volto, mani, piedi come per visitare una città dopo l'altra senza però perdere il senso dell'insieme. Inoltre il nostro inconscio associa un volto fotografato a distanza radente all'esperienza di quando si bacia ad occhi aperti .

L'attività foto-giornalistica, gli permette di assistere a tutte le fasi di una collettività: dalla nascita alla morte, dai retroscena della politica nazionale e di provincia alla festa parrocchiale, dagli incontri sportivi ai funerali. Un' inesauribile palcoscenico in cui l'umanità viene vista sempre di più come un minuscolo teatrino popolato da inconsapevoli personaggi chiusi nei loro mondi che la natura antropomorfa osserva con affettuoso disincanto. Questo sentire diventa il tema dei suoi più recenti lavori. Come tante formiche che di un elefante forse si accorgono suolo di un unghia e del suo possibile utilizzo, ma non riescono a vedere oltre.

Gli animali antropomorfi simboleggiano la natura enorme, eterna ed immutabile. Il cervo di ieri è uguale al cervo di oggi , sa da dove viene e sa dove andrà, mentre l'uomo è soggetto a leggi effimere e mutevoli nel tempo da lui create con la pretesa di essere eterne. Leggi inventate per raccontarsi quel che dovrebbe già sapere.

LUCA COSER

Le altre opere

Luogo di nascita: TRENTO

Data di nascita: 1965

Artista In permanenza

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SATURNO BUTTO'

Le altre opere

Luogo di nascita: VENEZIA

Data di nascita: 1957

Artista In permanenza

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DAMSON

Le altre opere

Luogo di nascita: SYDNEY

Data di nascita:

Artista In permanenza

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SAGGIO CRITICO

di Alessandra Santin

Esco dallo studio di Damson con una vecchia valigia di cuoio nero. Me l'ha consegnata l'artista non senza un certo imbarazzo, salutandomi. -Potrebbe esserti utile-.

Poiché ignoro il contenuto mi dirigo verso la macchina soppesando e scuotendo con delicatezza; potrebbe esserci qualcosa di fragile. Ad ogni passo gli oggetti all'interno si muovono liberi. Tutto è senza peso.

Rifletto.

Un'opera concettuale non si legge solo con gli occhi e questa azione dell'artista, questa relazione mediata dal gesto, attiva il processo di critica attento al valore dell'idea, valore spesso prevalente rispetto alla realizzazione concreta dell'opera stessa.

Melissa Wauchope, laurea in Belle Arti alla James Cook University of Queensland, annuncia la sua poetica a partire dalla scelta del proprio nome d'arte: Damson, il colore delle prugne selvatiche, il colore scuro di un rossetto usato dalla madre.

Il colore delle labbra e del sangue.

Due chiavi di lettura che mettono in campo fin da subito alcune tematiche del femminile: la relazione instabile, il fluido e la macchia, la dimensione emotiva, il tempo tondo.

Emily Dikinson scrisse < Io ho a che fare con la circonferenza > racchiudendo in questa frase molteplici significati, intendendo che il pensiero e il fare femminili sono rotondi, avvolgenti, ciclici, fluidi, omnicomprensivi, universali. Ciascuno di questi attributi si ravvisa nei lavori di Damson che non si esauriscono in singole opere ma si collegano in serie, nelle installazioni date da foto, video, graffiti, parole, alfabeti, collages, allestimenti e performaces.

Essi propongono una riflessione sulla femminilità sotto forma di ferita.

Damson scrive un atto di dolore tutto rivolto verso la dimensione intima e personale di ogni donna; indaga il privato più segreto e lo espone.

In una realtà violenta, che scopre e denuda, Damson nasconde il corpo femminile evocandolo attraverso gli abiti che lo contengono. Tra tutti sceglie quelli più emblematici, gli abiti da sposa candidi. Ma il bianco purissimo è violato dal tempo, ingiallito dal suo scorrere, macchiato di sangue. Ferito, vilipeso. Umiliato. Questa volta per davvero nudo.

L'artista analizza la condizione femminile mostrando l'invisibile contenuto (il corpo) attraverso e contro la visibilità del contenente (l'abito). Il luogo rimanda alle vetrine illuminate dei negozi commerciali, vasto mare che dialoga direttamente con le dimensioni più note dell'inconscio. Desideri e bisogni, amore e morte, domanda e offerta si ripresentano eternamente e inesorabilmente uguali nel tempo, tempo della realtà e del mito che rende tutto contemporaneo.

Qui vive il corpo di ogni donna, in particolare della donna//madre che ha "subito" la Storia. Ogni opera dell'artista Damson conserva le tracce evidenti di questa Storia: reliquie, gocce, segni; polvere e luci, parole; ali e veli.

Per questo la mostra "MADRE" è arcana, misterica, sacrale.

MADRE è il rapporto vitale di elementi che appartengono tanto alla Natura quanto alla Cultura. La loro relazione dà vita alla Grande Madre. Madre Simbolica, dea essa stessa, rappresentazione della Madre Reale.

Nascita e parto, sangue e latte si incontrano e mescolano, vitali e indispensabili atti di fede.

Il corpo della donna vive la fede, si nutre di essa, forma e genera il futuro.

Farfalle leggere annunciano il tema delle durata. Il volo presente, nel nelle ali di Ermes dio della comunicazione/interpretazione, e in quelle di Icaro simbolo di precarietà, annuncia l'effimero della bellezza, il suo prezzo: il tempo che dà vita e morte, il tempo/madre chiave di lettura delle opere di Damson.

Nella valigia nera:

- N.°2 foto archivio del Gazzettino: stanza di un triplice delitto dopo i rilievi dell'autorità inquirente;

- Fotocopie del proprio diario di lavoro;

- Foto riviste di moda in depositi con quadri di artisti contemporanei e/o soggetti noir;

- Coroncina di rose vere secche;

- N.°18 foto cartonate di opere di Damson legate con nastro nero;

- Rotolo con tre grafiche antiche di forme vegetali, con testo scritto mano, inchiostro color seppia;

- 1 appendiabiti in legno a forma di croce;

- 23 fotocopie articoli pubblicati nel 2009 di violenze sulle donne in diversi paesi del mondo e in Italia;

- Testo di un aforisma di Schopenhauer copiato a mano in lingua francese e traduzione in italiano;

- Ricamo incompiuto su cotone bianco (imparaticcio);

- Ampolla di vetro con tappo contenente 46 vespe;

- Specchio vecchio cm 22X10 con cornice di metallo arrugginito;

- Fiocco di raso bianco con 2 file di brillantini di vetro cuciti a mano;

- Cm 48 di pizzo chantilly su base di velo;

- Scatola di metallo IBM usata e arrugginita contenente 1 crocefisso di metallo, 1 cuore per grazia ricevuta rotto, e una manopola di metallo per cassettiera;

- 1 scatola di plastica tonda contenente una farfalla trafitta da uno spillo;

- 2 slides di opere;

- Rametto decorativo bianco per acconciatura da sposa;

- Moneta antica con Lingam e Ioni;

- 1 forbice da lavoro grande e ruggine;

- 1 ampolla di vetro sigillato con bordure e pizzi da sarta;

- cm. 36 pizzetto industriale bianco;

- Libro di Bellmer Hans, Anatomia dell'immagine, Adelphi ed., Milano 2001;

- Foto ritagliata di una figura fantasma in un bagno.

Alessandra Santin

DAVIDE FRISONI

Le altre opere

Luogo di nascita: RIMINI

Data di nascita: 1965

Artista In permanenza

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Nato a Rimini, dove tuttora vive e lavora, nel 1965.
Dopo essersi diplomato al Liceo Artistico di Rimini e all'Accademia di Belle Arti
di Bologna inizia una intensa attivita' di illustratore e scenografo e, dal 1996,
di pittore. Ha al suo attivo un considerevole numero di mostre personali
e collettive. Le sue opere sono presenti in molti musei, collezioni pubbliche
e private in Italia e all'estero (tra le altre: Ducati Collection di Tokyo e Sharon
Gallery San Diego California, Pinacoteca di Crotone e Fondazione CARIM).
Dal 1996 fino alla primavera del 1999 la sua ricerca pittorica è incentrata
sullo studio intimistico della figura umana e a una serie di lavori dedicati
a personaggi mitologici.
Vince per due volte il concorso internazionale Roma 2000 edizioni '98 e '99
che lo vedra' protagonista in una serie di mostre a Roma, Firenze, Venezia
e Parigi, organizzate dalla Galleria Il Collezionista di Roma.
Dall'estate del 1999 inizia una ricerca sulla luce e il colore che ha come
soggetto la realta' normale, lo stupore della quotidianita'.
La strada diventa il luogo privilegiato di questa ricerca, con le sue auto, fanali,
semafori, temporali, lampioni...
Queste opere sono state presentate nell'autunno del 1999 in una personale
alla Galleria La Nave Và di Rimini con straordinario successo di critica
e di pubblico che lo ha portato ad essere finalista al Premio Morlotti
di Imbersago, alla mostra collettiva Promesse della Galleria Forni di Bologna,
al Premio Treccani e ancora al Premio Morlotti di Imbersago nel 2001.
Dal 2001 lavora con Telemarket incentivandone ulteriormente la notorietà.
Nel 2004 è presente su invito alla "International ArtExpo'" di New York.
Dal 2007 ha iniziato collaborazioni con altre sei gallerie in Italia e tre
all'estero (Francia, Germania e USA) inserendolo a pieno titolo nella schiera
degli artisti della nuova figurazione italiana più noti a livello nazionale
e internazionale. Nel 2007 è stato invitato alla Biennale di Lucca, l'unica
al mondo dedicata alla carta, dove ha presentato per la prima volta
una serie di 15 lavori a tecnica mista in bianco e nero su carta.
Nel 2009 è stato scelto dal critico Alberto Agazzani per la Biennale Sismondi
di Rimini, e inserito nella mostra Contemplazioni. Bellezza e tradizione
del nuovo nella pittura contemporanea la più grande e importante retrospettiva sulla figurazione italiana. 116 artisti storicizzati e nuove
generazioni a confronto in uno spazio espositivo di oltre 3.000 metri quadrati
dove ha presentato una grande opera dedicata agli asfalti di luce.
Sempre il critico Alberto Agazzani lo ha selezionato per un evento dal titolo
Altre contemplazioni alla Galleria LIBRA di Catania.
Una ulteriore selezione tra gli artisti della figurazione chiamati a confrontarsi
in un formato uguale per tutti. Una vera sfida alla pari fra i 56 artisti presenti.

ARTURO PICCA

Le altre opere

Luogo di nascita: NAPOLI

Data di nascita: 1957

Artista In permanenza

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Selezionato nel 2003 per la partecipazione alla XIV Quadriennale d'Arte di Roma.
Galleria di riferimento Leonart Gallery (TV).

Dal 2004 a oggi, a seguito di un radicale cambiamento di vita, porta avanti una riflessione sullo sbilanciamento del rapporto tra cultura e realtà fisica.
Sulla base di questa, la mancanza di un originale nel digitale rivela un grave limite. Lo strumento pittura viceversa, grazie alle sue origini antiche, mantiene un rapporto diretto con il mondo fisico e permette di dare un corpo corretto ad un'idea. I suoi limiti (il suo essere "vecchia" e con poche variabili) nella nuova ottica diventano pregi, garanzia di comprensibilità e inequivocabilità dei contenuti.
Per questo motivo, in un "anacronistico" ritorno, la pittura viene utilizzata in modo "fisico" ovvero solo come strumento, neutra e indifferente a sè stessa, con il solo scopo di trasferire tutto il potere all'oggetto fisico appunto. A questo scopo viene mantenuta al suo livello originario, usando colori e soggetti in modo schematico e rinunciando a tutti gli effetti - pittorici, dinamici, materici.
Su questa base tecnica vengono applicate le informazioni dell'esperienza digitale, prime tra tutte quelle sulla lavorazione spersonalizzata, sull'analisi schematica delle regole fisiche (in particolar modo quelle dell'illuminazione e ombreggiatura 3D) e sul concetto del "tutto risolto", ovvero la non ambiguità dei punti.
Iil risultato finale è diretto, è la descrizione schematica di uno spazio fisico ma inesistente, che lascia a di chi guarda la sua interpretazione.

I riferimenti vanno da una lettura non ortodossa dell'opera di Hopper, al minimal, alla land art, al pop, al naif più che alla metafisica e al surrealismo.

ESPOSIZIONI
- Mostra permanente presso la Leonart Gallery, Conegliano Veneto (TV)
- Mostra collettiva "Sturm Und Traum" organizzata dal circolo "Il Colle" a cura di A. Venuti - Mittersill, spazio espositivo del Nationalparkzentrum - con Giordano Floreancig, Iacopo Toppazzini, Luciano Clinaz e Alberto Zilli- dal 10/10 al 11/11/2009
- Mostra personale "Ritorno"a cura di A. Venuti - Circolo culturale "Il Colle", San Daniele del Fr. dal 24/10 al 16/11/2008
- Mostra personale - Locali Municipio, Majano dal 24/11 al 5/12/2008
- Mostra collettiva "Eine Linie ist keine Grenze" a cura di A. Venuti con M.A.Strasser - Galleria Raum 313, Salisburgo dal 9/7 al 9/8/2008
- Mostra collettiva "Incontro/Treffen" cura del Comune di Majano e A. Venuti nell'ambito dell'Interreg III - Sala Ciro di Pers, Comune di Majano dal 2/12 al 16/12/2007
- Mostra collettiva "Una Linea Non è un Confine" a cura del Comune di Majano e A. Venuti nell'ambito dell'Interreg III - Castello di Susans, Majano dal 30/9 al 7/10/2007
- Premio opera italiana più votata con l'opera "Una Linea Non è un Confine" nella mostra di cui sopra 7/10/2007
- Selezionato tra i primi 100 artisti del centro-sud per l'Anteprima della "Quadriennale d'Arte di Roma", 2003
- Mostra collettiva "Quadriennale d'Arte di Roma" Anteprima Napoli - Palazzo Reale, Napoli dal 15/11/2003 al 11/1/2004
- Mostra collettiva "Imagerie Futura" a cura di R. Notte - Polo della Cultura, Potenza 2001
- Mostra collettiva "Laboratorio Politico di Fine Secolo 2" a cura di G. Perretta - "Teatro degli Artisti", Roma 1998
- Mostra collettiva "Strisce, Pitture e Altre Derive" - Galleria Italia 2, Via D'Ara Coeli 2, Roma 1997
- Performances con pannelli realizzati dal vivo presso "Galassia Guthenberg", Fiera del Libro, Napoli 1995, 1996, 1997